San Ildefonso

La obra de Antony Gormley se centra en el cuerpo como sujeto, objeto y lugar. Al tomar el cuerpo como punto de partida, la exposición explora los modos en los que nos orientamos espacialmente: cómo reaccionamos cuando nos desorientamos, cómo nos relacionamos con la arquitectura y con el entorno construido. Penetra en el espacio imaginativo y emocional de nuestros seres interiores.

El artista

La obra de Gormley hizo que replanteara mis conceptos de arquitectura y de escultura. Pues habiendo recorrido la mayor parte de lo que para mi eran más esculturas que obras arquitectónicas, regresé a "El Firmamento" (la instalación enorme que está en el centro del patio del museo) y coincidí con una guía turística que hablaba sobre el concepto de arquitectura de Gormley, y mencionaba que el autor proponía una arquitectura sin función real, pero que creara otro tipo de relación entre el ser humano y su entorno. Arcadio siempre dice que la arquitectura tiene que servir al ser humano y yo coincido con él, ¿de que sirve una casa extremadamente hermosa si no cumple las funciones que fue hecha para cumplir? Vaya según yo era sencillo trazar la línea entre ambas artes, pero se empieza a ver igual de complicado que distinguir entre documental y ficción.

Con 165 trabajos llega muestra que restaca "el aporte alemán" del movimiento subjetivo en la fotografía de posguerra. Las fuentes visuales y estéticas desde donde proviene este movimiento, encuentran sus raíces en la fotografía Bauhaus y en los pioneros de la fotografía experimental de los años 20. Particularmente, es una reorientación de la fotografía hacia sus posibilidades más expresivas y creativas.

Otto Steinert Black nude, 1958


Otto Steinert
Orthodox ballet Hommage a Oscar Schlemmer, 1949



Helmut Lederer
Harald Kreuzberg dancing Art Director´s Club, New York, 1952



Ludwig Winstoßer
Montage -smokestacks and cylinders, 1952



Stratos station Wire montage, sin fecha


''Market in the early morning'' 1953 de Robert Hausser.
Heinz Hajek- Halke

Creo que ambas exposiciones están increibles y vale la pena lanzarse al San Ildefonso a recorrerlas. ¡Las recomiendo ampliamente!

D'Est

Most directors feel complimented, she has said, when viewers say they are not aware of passing time: ‘But with me, you see the time pass. And you feel it pass. You sense that this is time that leads towards death... I’ve taken two hours of [your] life.’

Chantal Ackerman was born in Brussels, Belgium in 1950, but now lives in Paris.

Ackerman’s first film, “Saute Ma Ville” (1968), pictured a domestic scene and was her debut as a feminist film maker.

Ackerman is aware of the viewpoint of the spectator and the passage of time. She uses time to create a sense of monotony and routine. She uses the camera angle to manipulate the way in which a viewer sees a scene.

FROM THE EAST retraces a journey from the end of summer to deepest winter, from East Germany, across Poland and the Baltics, to Moscow. It is a voyage Chantal Akerman wanted to make shortly after the collapse of the Soviet bloc "before it was too late," reconstructing her impressions in the manner of a documentary on the border of fiction.

By filming "everything that touched me," Akerman sifts through and fixes upon sounds and images as she follows the thread of this subjective crossing. Without dialogue or commentary.

In the strictest sense, From the East qualifies as a documentary because its subjects are real people; the segments of lives being played out on screen are actually happening. But there’s no artificial narrative applied — no characters; no quest, conflict, and resolution; no talking at all, in fact. Aside from some incidental dialogue that is never translated via subtitles, the film is wordless.

Instead, we get beautiful and very long tracking shots that encompass a landscape of faces or a location. The documentary format’s requisite talking heads are replaced with static shots of ordinary people in their homes. They never speak. There doesn’t need to be any explanatory dialogue. The faces tell a story just fine.

FUENTES:

• From The East. http://icarusfilms.com/new2003/from.html
• DVD Review: Chantal Akerman's From The East - Blogcritics Video. http://blogcritics.org/video/article/dvd-review-chantal-akermans-from-the/
  

Le Sang des Betes

Género: Documental
Año: 1949
Director: GEORGES FRANJU
Escrito por: Georges Franju
Director de fotografía: Marcel Fradetal
Música: Joseph Kosma
Productor: Paul Legros

Las afueras de París. Una Francia tranquila en pantalla.

Uno mira los comentarios de la gente que ha visto la película y de inmediato comienzan los: "Está enferma... degenerada...Qué horror!... es un asco...etc... etc... etc." Bueno, yo les preguntaría "¿y qué proceso creías que se llevaba a cabo para que tú pudieras comer tan contentamente tu hamburguesa en macdonalds o tu pollo en kfc o cualquier tipo de comida carnivora que devoras a lo largo de la semana?" Esto sucede te enteres de ello o no y hay gente que vive de hacerlo. Bueno, en realidad creo que casi todos vivimos de manera directa o indirecta de que esto se realice... el punto es que nos hemos desacostumbrado a estar en contacto con ello. Mostrar esto en pantalla se vuelve obsceno, porque no pertenece a la escena, sino fuera de ella como su nombre lo indica. Pero lo mismo sucede con el cuerpo humano, está ahi tan escondido entre la ropa que cuando se muestra en pantalla desnudo, como es originalmente, la gente se asusta (bueno cada vez menos, eso es cierto). Pero el punto es que, es cierto que se puede calificar de grotesco, que no está hecho para todos los estómagos, pero no hay que descalificarlo así de fácil. En realidad es problema nuestro no ser capaces de verlo, pues la matanza de animales viene sucediendo desde siempre. Y las corridas de toros siempre están llenas de gente dispuestas a ver como se sacrifica al animal, ¿por qué en ese caso es válido? Franju tan sólo documenta un trabajo, igual de honrado, igual de digno que cualquier otro. Me parece increible que Franju haya sido capaz de enfrentarlo frente a frente, de confrontarlo con la cámara. Y si uno lo piensa, uno como espectador, está protegido por la pantalla, pero Franju tuvo que vivirlo en carne propia, junto con el olor y el llanto de los animales siendo asesinados, pero peor aún los que se sabían culpables de todas esas hazañas, los carniceros. Ellos quitan vidas día con día y ese lugar tiene que tener una enrgía muy especial por ese simple hecho.

El documental está muy bien realizado. Los encuadres y el lenguaje cinematográfico que emplea en general, es grande. Inclusive los toques de humor que utiliza le vienen muy bien al documental, pues diluyen un poco lo poderoso de las imágenes. Me gustó mucho. Me impactó, cosa que hoy en día resulta dificil, más cuando se piensa la fecha en la que esto se realizó... y sigue teniendo vigencia, sigue impactando. ¡Grande!

Night Mail

Basil Wright (1907 - 1987)

The 1936 classic 'Night Mail' has been released on Video via licence in several guises. Here it was packaged together with, Job in a Million, Granton Trawler, and Story of an Air Communique.

The limited edition DVD is nostalgically packaged in the style of a 1930s GPO parcel and features an exclusive set of 4 postcards, showing images of TPO ephemera.

Night Mail is a 1936 documentary film about a London, Midland and Scottish Railway (LMS) mail train from London to Scotland, produced by the GPO Film Unit. A poem by English poet W. H. Auden was specially written for it, as was music by Benjamin Britten. (The pair also collaborated on a rail-documentary on the line from London to Portsmouth, The Way to the Sea, also in 1936.) The film was directed by Harry Watt and Basil Wright, and narrated by John Grierson and Stuart Legg. The Brazilian filmmaker Alberto Cavalcanti was the sound director.

DATOS CURIOSOS:

The shots of the interior of the carriage where the mail is sorted were filmed in a studio. An impression of movement was given by gently swinging the string that was hanging down from the top of the sorting boxes before each shot was filmed and telling the postal workers to walk with a rolling gait.

The sound recordists equipment was unable to record a realistic sound of the mail train clattering over the joints in the track during the "two bridges and 45 beats" trackside mailbag collection sequence. Eventually they resorted to recording the sound of a model train being pushed back and forth over joints in a model railway track in time to the film of the man on the train counting the beats.

En realidad creo que no me gustó la película. Estaba revisando el blog y creo que se nota a simple vista que documentales me han gustado más. Bueno este no es uno de esos, y entre que no me motiva escribir sobre él y que casi no hay información en la red, pues sólo quedaría repetir lo que se dijo en clase, sobre la concepción del trabajo de los protestantes y de los católicos, pero ¿cuál es el caso de repetir algo que ya se ha dicho? además, sé tan sólo lo que dice Weber en su libro, así que creo que sería más fácil simplemente remitir directamente a que se lea este y a que cada quien forme su propia opinión sobre el mismo y sobre su relación con el documental.

FUENTES:

• You Tube. Night Mail - (1936) - Part 3. http://www.youtube.com/watch?v=902G8widi00
• Night Mail. http://www.lightstraw.co.uk/gpo/nightmail1.html
• IMDB. Night Mail. http://www.imdb.com/title/tt0028030/trivia
  

Artavazd Peleshian

Artavazd Ahoti (Ashotonovich) Peleshian nació el 22 de febrero de 1938 en Leninakan, Armenia, Unión Soviética (USSR). Estudió en la prestigiada escuela de cine rusa VGIK de 1963 a 1968.

Es el creador del "distance montage".

"Eisenstein's montage was linear, like a chain. Distance montage creates a magnetic field around the film... Sometimes I don't call my method "montage". I'm involved in a process of creating unity. In a sense I've eliminated montage: by creating the film through montage, I have destroyed montage. In the totality, in the wholeness of one of my films, there is no montage, no collision, so as a result montage has been destroyed. In Eisenstein every element means something. For me the individual fragments don't mean anything anymore. Only the whole film has the meaning."
- Peleshian

"For me, distance montage opens up the mysteries of the movement of the universe. I can feel how everything is made and put together; I can sense its rhythmic movement."
-Peleshian

The seasons of the year

"...I was thinking of everything.
It's not specifically the seasons of the year or of people: it's everything."
- Peleshian

La película comienza y uno se ve envuelto en un paisaje lleno de escenas surreales, empapadas en poesía, secuencias que absorben a nuestra conciencia y así uno deja de pensar, porque sería absurdo intentar abordar la película con el intelecto y uno sabe eso desde el comienzo, por eso simplemente se deja llevar por las sensaciones de mirar la vida desde otros ojos que miran desde más arriba y ya no es subjetiva u objetiva la mirada, es divina, como si viniera de Dios, de un ser que es capaz de mirarlo todo, pero que no por eso deja de sentir, sino al contrario, siente con mucha más fuerza, siente la vida con la intensidad que sólo le está permitido a los Dioses sentir, también porque sólo ellos serían capaces de soportarlo, pues la entrega que exigen los sentimientos, sobre todo al ser sublimados, puede llegar a ser insoportable y hasta cierto punto peligrosa.

The End

Es un viaje en tren, pero eso es simplificarlo todo al grado que sería mejor no decir nada de la película. En realidad es una experiencia que no se obtiene viajando en tren. Es una experiencia completamente cinematográfica y cualquier intento de querer experimentarla a través de otro medio sería simplemente un fraude y una pérdida de tiempo.

Hace poco me preguntaba a mi misma ¿por qué cine? No voy a mentir diciendo que ya conozco la respuesta, pero lo que sí es cierto es que esta película es un eslabón para llegar a ella. Esto, el cine de Peleshian, (sin saber aún como explicarlo) es la razón por la que estudio cine. Para ser capaz de crear estas sensaciones en el espectador. Por eso últimamente me peleo con el cine narrativo y tradicional, porque la historia siempre le quita peso a las sensaciones, hace que el intelecto entre a intentar abordar algo que debería de estar hecho para el espíritu también. Y la gente se ha olvidado de eso, el cine... la gente lo mira como el nuevo Coliseo, un entretenimiento burdo y vacío... culpo a Hollywood porque acaparan las salas y evitan la diversidad, matan las posibilidades... y escuchaba a Nicolayevsky comentar en una entrevista su opinión sobre el cine, vaya tiene tanta razón! ¿por qué se miente diciendo que para hacer cine se neceista dinero? ¿qué no se puede hacer cine solo, sin un crew? ¿qué tiene que durar ciertos minutos? ¡cuantas limitantes! Nos han robado el espacio para proyectar lo que en realidad es el séptimo arte, la standarización ha ganado. Tal vez ya no quiero hacer cine, no el cine que se exhibe en las salas de cine.

Arriba: La versión de St. John's Passion de Bach que aparece al final de Zerkalo de Tarkovsky, que desde mi punto de vista tiene mucha más fuerza que la que utilizan en The End. Cabe mencionar que esta es mi escena favorita de mi película favorita. Creo que este final es grande! poético, hermoso... Y bueno, se podrán decir muchas cosas de la película, pero creo que algo interesante que viene al caso en este blog, podría ser cuestionarse si la película podría ser calificada como una especie de documental ficcionalizado, pues en realidad está muy apegado a la vida del autor. De hecho, la madre (cuando es vieja) de Ignat (personaje que interpreta a Tarkovsky) que sale en este mismo final, es en realidad la madre de Tarkovsky, elemento documental, y la cabaña en la que Ignat recuerda su infancia (cierto, está reconstruida) pero reconstruida de manera idéntica a la original, en la que Tarkovsksy vivió su infancia. Vaya, claro está que nunca ha sido calificada como documental, pero una autobiografía siempre está basada en algún tipo de realidad real. Hace unos días leía en "Cinema and the Invention of Modern Life (en el primer capítulo: Tracing the Individual Body: Photography, Detectives, and Early Cinema) sobre como los testimonios habían perdido validez en los juicios, en el momento en el que había aparecido la fotografía. Tal vez en otros tiempos El Espejo habría podido ser catalogada como documental (a pesar de lo subjetivo, idealizado y confuso de su estructura y de la mayoría de sus escenas). Aunque eso en escencia sea completamente paradójico pues no existiría antes de la fotografía, pero espero se entienda el punto al que me refiero.

Otro documental sobre trenes: Jean Mitry y Pacific 231

Este es el link a una entrevista a Peleshian realizada por MacDonald , que forma parte del libro: A Crtitical Cinema: Part 3.

http://books.google.com/books?id=F2PTA6obq10C&pg=PA95&lpg=PA95&dq=peleshian+macdonald+critical&source=bl&ots=TZq0RrL7fl&sig=qBAXEcJgfBpM6dTcjaJyPHyQ5Vw&hl=en&ei=GUR8SuXLOs2CkQXfsajnAg&sa=X&oi=book_result&ct=result&resnum=1#v=onepage&q=&f=false


FUENTES:

• Parajanov. Seasons of the Year. http://www.parajanov.com/seasons.html
• The Rythm of the Universe: The Short Films of Artavazd Peleshian. http://www.cinemaseekers.com/Peleshian.html
• Unspoken Cinema: The FIlms of Artavazd Peleshian. http://unspokencinema.blogspot.com/2009/08/films-of-artavazd-peleshian.html
  

¿Qué significa esto?

Atomic Cafe

DUCK AND COVER!

Dirección: Jayne Loader, Kevin y Pierce Rafferty
Guión: Jayne Loader, Kevin Rafferty
Sonido: Marge Crimmins
País y año de producción: 1982, Estados Unidos.



Selected festivals and awards:
1983 – Nominowany do Flaherty Documentary Award Awards /Nominated to Flaherty Documentary Award, BAFTA; Boston Society of Film Critics Award 1983 – BSFC Award

"Usando un extenso material de propaganda oficial de los Estados Unidos, cuyo objetivo era desmitificar los efectos nocivos de un posible ataque nuclear durante la guerra fría, su remontaje da pie a una hilarante obra que desvela la burda retórica propagandística al tiempo que invita a reflexionar sobre nuestra condición de espectadores acríticos y crédulos." - Blogs & Docs.

La bomba atómica es un claro ejemplo de que la forma y el contenido no siempre están en sintonía. Pues mirarla es hermoso, casi hipnótico y sin embargo lo que significa, lo que representa... todo ese sufrimiento, esa venganza desproporcionada, esa ira, esa impotencia... vaya, sobran las palabras.

Creado a partir de material apropiado de los 40's, 50's y principios de los 60's. Durante La Guerra Fría: Rusía vs. EUA. El comunismo vs el capitalismo. Oriente vs Occidente. Los medios bombardeando a los cíviles constantemente propaganda política. Pareciera surreal cuando uno lo mira y sin embargo sigue sucediendo, pero el lenguaje es distinto y nos cuesta trabajo identificarlo.

Yo subestimaba el poder de los medios hasta que comenzó la influenza. Todos esos mensajes contradictorios, el tono de voz, las imágenes, la gente entrando en caos. Creo que más que influenza, lo que se contagió de manera exponencial fue la paranoia. Nada que hacer más que permanecer en casa con la televisión prendida para estar informado. Error, grave error. Siempre hay que mantener cierta distancia de los medios.

Soundtrack de la película: http://whatsinmyipod.blogspot.com/2007/05/atomic-cafe.html

SIDE ONE
1. ATOM AND EVIL - Golden Gate Quartet
2. Major Thomas Ferebee, “Enola Gay” bombardier, 8/15/45
WHEN THE ATOMIC BOMB FELL - Karl and Harty
3. President Harry S. Truman 8/9/45:
Captain Kermit Beehan, “Great Artiste” bombardier, 8/15/45
WIN THE WAR BLUES - Sonny Boy Williamson
4. David E. Lilienthal, first Chairman of the A.E.C., 10/28/46
ATOMIC POWER - Buchanan Brothers
5. Winston Churchill, 3/31/49
JESUS HITS LIKE AN ATOM BOMB - Lowell Blanchard with the Valley Trio
6. Rep. James E. Van Zandt (R), Penna., 5/8/53
WHEN THEY DROP THE ATOMIC BOMB - Jackie Doll and His Pickled Peppers
7. ATOMIC SERMON - Billy Hughes and the Rhythm Backaroos
8. OLD MAN ATOM - Sons of the Pioneers

SIDE TWO
1. URANIUM - The Commodores
2. 50 MEGATONS - Sonny Russell
3. ATOM BOMB BABY - The Five Stars
4. SATELLITE BABY - Skip Stanley
5. SPUTNIKS AND MUTNIKS - Ray Anderson and the Homefolks
6. ATOMIC COCKTAIL - Slim Gaillard Quartette
7. ATOMIC LOVE - Little Caesar, with the Red Callender Sextette
8. ATOMIC TELEPHONE - Spirits of Memphis Quartet
9. RED’S DREAM - Louisiana Red

FUENTES:

• Blogs & Docs. Te Atomic Cafe. http://www.blogsandocs.com/?p=108
• Atomic Cafe. http://www.docreview.pl/2009/index.php?option=com_content&task=view&id=302&lang=en